Tr(amar) - Versando o processo

Não existe maior entrega à vida que no processo de criação
Cada trabalho é uma declaração de amor
Uma *compulsão carinhosa
Arte como am(ar-te)
Dionisíaca
Mas sem hedonismos
(Arte não é masturbação)

Ser artista é estar sozinho
A verdade só é possível na reclusão
No diálogo solitário
Para encontrar a lucidez através do inconsciente
Pois se está sempre à procura ,sabendo ou não o que se busca
O processo é nunca sair do buraco
Apenas trocar de buraco
Acolher a dúvida em terreno fértil
Construir casulos
Aguardar a maturação
Louvar a metamorfose
E assim
Conhecer-se
E se descobrir inesgotável
Aceitando o caos, pois só assim nasce a ordem
E novamente a desordem

Criação é devir





*expressão utilizada por Louise Bourgeois

A teoria da conspiração de Voltaire Schilling e outras pérolas

No caderno Cultura da ZH de hoje, Eduardo Veras e Luiz Antônio Araújo colocam o "intelectual" Voltaire Schilling na parede, fazendo perguntas relativas à grande polêmica que o historiador gerou ao escrever sobre as esculturas de Porto Alegre. Achei a entrevista excelente, pois escancarou as fraquezas desse, mostrando sua ignorância em relação à arte através de seus argumentos confusos. Transcreverei aqui algumas pérolas do homem, comentando-as:

(Perguntado o que achou da exposição do MARGS na Bienal)
"Olha, achei que tem trabalhos escolares, né? Tem coisas assim de trabalho de ginasiano, colagenzinha de ginasiano, né?"
Dizer que os trabalhos do MARGS são escolares é o tipo de coisa que os leigos diriam e está no mesmo nível do famoso comentário: "isso até uma criança faz".

"Nunca, nunca nenhuma pessoa demonstrou na minha frente, para amigos meus, para pessoas próiximas a mim, empolgação: 'Vi tal coisa maravilhosa'. Nenhuma vez. Ao contrário:decepção. As pessoas vão com toda boa vontade e saem decepcionadas. Muitas pessoas dizem: 'Mas essa é a função da arte de hoje. Criar esse tipo de embaraçamento etc e tal.'"
Primeiro: com que pessoas tu tem conversado, Voltaire? Acho melhor arranjar amigos mais cultos. E sim, uma das funções da arte de hoje é criar "esse tipo de embaraçamento". Algum problema nisso? Embaraçamento faz pensar e pensar faz bem, sabe? Ao menos deveria ser comum entre aqueles que se consideram intelectuais.

"Não é a questão nem só da feiura, é o mal gosto,tu entende?"
Mal gosto. Ouquei. E se gosto é tão subjetivo assim, quem disse que o mal gosto não é o seu?

(Sobre não estar sozinho no seu ponto de vista referido por muitos como nazista)
"Eu participei de um debate em que 80% das pessoas concordavam com a minha posição.Se nós chegássemos a uma avaliação, nós vamos ver que Porto Alegre está povoada de 800 mil nazistas, reacionários, burros e ignorantes, o que é um dado absolutamente alarmante sobre nossa população"
Infelizmente,é alarmante, mas é verdade: a população portoalegrense é, pelo menos, 80% ignorante.

"Hoje a arte corresponde ao que o artista acha que é arte, à sua subjetividade"
E não pode ser assim? Quem mais dirá o que é arte (ao menos num primeiro momento), se não o artista?

"É uma empulhação, tu tu tens de denunciar a empulhação"
"Eu não estou dizendo que essas obras são empulhação."
Repara na contradição.

"Eu acho que nós somos governados por uma tribo esotérica, que domina os jornais, que domina as revistas, que se associa às galerias..."
Realmente, Voltaire! Acho que é tudo uma conspiração. é tudo culpa dos Estados Unidos a arte ser assim. Somos todos vítimas desse sistema. Agora... por que criar um sistema em que a arte é tão pouco digerível que diuficilmente será comercializada, quando poderia se ter mantido a arte bela, que agradava a todos e movimentaria muito mais dinheiro? Não seria bem mais interessante para os EUA?

"As pessoas se sentem aterrorizadas, com medo de comentar qualquer coisa.Elas saem de uma exposição, não gostam e não tem coragem de dizer. Lembra um pouco o filme da minha geração , o nouvelle vague"
Ah sim. NINGUÉM fala mal da arte contemporânea. Realmente, não sei com quem o senhor anda: nem com pessoas que são cultas o suficientes para gostar de alguma coisa da Bienal, nem com as ignorantes que esculacham a Bienal sem fundamento nenhum.
E acho um elogio comparar a Bienal à nouvelle vague. Se todos artistas da Bienal fossem Godards, ela seria muito melhor.

"Em parte, o que acontece é fruto da Guerra Fria. "
Digamos que quase tudo é fruto da Guerra Fria, não? Afinal é uma coisa muito recente, que influenciou o mundo inteiro e não teria como não ter conseqüências na arte. Mas, será que isso se deu com tanta intencionalidade dos EUA em propagandear esse tipo de arte? Pra mim isso ainda não faz sentido.

"Mas o que interessa a subjetividade dessas pessoas (dos artistas)?"
E o que interessa a sua, professor?

"Esses ambientes artísticos estão sendo substituídos por marcineiros, por pedreiros"
Vou te dar uma aulinha de HISTÓRIA da arte (algo que deveria ser desnecessário, já que o senhor é um HISTORIADOR). Desde Duchamp, com os "ready-mades" o fazer manual vem sendo questionado. A partir dos anos 50, principalmente com o pop e sua reprodutibilidade de imagens cotidianas, e, mais ainda, com o minimalismo e a "ausência" do artista (vide trabalhos de Judd e LeWitt), passou a se questionar qual era o papel do artista: idealizar ou executar fisicamente uma obra. E hoje a noção aceita é de que o artista é quem cria a obra no campo das ideias, não no campo físico; ou seja: não importa quem teve o trabalho manual, mas sim o trabalho criativo, que, convenhamos, é bem mais complexo que o simples executar. Como a parte artesanal é bem mais simples que a outra, ela não precisa ser do encargo do artista, sendo então tercerizada. Portanto, os artistas ainda existem, mas eles, felizmente, passaram da fase de ter que se dar o trabalho com a artesania.

Ouquei?

Sugestão de leitura (a Voltaire e àqueles que pensam como ele): ARTE CONTEMPORÂNEA - Uma História Concisa, de Michael Archer.

PS: Não estou defendendo que tudo na Bienal seja bom (quem leu os 2 posts anteirores sabe!) . Apenas acho lamentável que um historiador tenha uma visão tão ingênua a respeito da arte, que está tão relacionada com a história, e inconcebível que ele se utilize de sua autoridade para falar tanta coisa sem fundamento e influenciando tanta gente.

Pra não dizer que não falei das flores

Variaciones sobre el Santo Job, José Alejandro Restépo



Como no último post não especifiquei nenhum ponto positivo da bienal, aqui cito alguns:

José Alejandro Restépo, com a obra mais impactante, na min ha opinião:
http://www.bienalmercosul.art.br/7bienalmercosul/pt-br/jose-alejandro-restrepo

Maria Lucia Cattani, com vídeos deliacados e sutis:
http://www.bienalmercosul.art.br/7bienalmercosul/pt-br/maria-lucia-cattani

Cildo Meireles, com Introdução à nova crítica, Malhas da liberdade e Estudo para Tempo:
http://www.bienalmercosul.art.br/7bienalmercosul/pt-br/cildo-meireles

Daniela Thomas, com sua peça Breath:
http://www.bienalmercosul.art.br/7bienalmercosul/pt-br/daniela-thomas

José Antônio Suarez, com seus cadernos:
http://www.bienalmercosul.art.br/7bienalmercosul/pt-br/jose-antonio-suarez

Marta Minujin, com seus desenhos-projetos:
http://www.bienalmercosul.art.br/7bienalmercosul/pt-br/marta-minujin

Nicolas Floc'h, com sua troca:
http://www.bienalmercosul.art.br/7bienalmercosul/pt-br/nicolas-floch

Nina Lola Bachhuber, com desenhos no MARGS e escultura no Cais:
http://www.bienalmercosul.art.br/7bienalmercosul/pt-br/nina-lola-bachhuber

Walmor Correa, naturalizando equívocos:
http://www.bienalmercosul.art.br/7bienalmercosul/pt-br/walmor-correa

Anna Maria Maiolino, videoartista e desenhista:
http://www.bienalmercosul.art.br/7bienalmercosul/pt-br/anna-maria-maiolino

Abraham Cruzvillegas, tratando da memória:
http://www.bienalmercosul.art.br/7bienalmercosul/pt-br/abraham-cruzvillegas


Henrique Oliveira, com o que foi apelidado de "Casa Monstro" (Voltaire, seu véio caquético prepotente, recicle-se.)
http://www.bienalmercosul.art.br/7bienalmercosul/pt-br/henrique-oliveira


Tapume, Henrique Oliveira

Que fim levaram todas as flores?

ou "A Bienal do Vazio"
ou "A Bienal grita, mas eu não escuto"


Mais uma Bienal do Mercosul se acaba, e minha cabeça se enche novamente de questionamentos. Ainda não digeri bem a exposição, mas o que tenho a dizer agora é que me pareceu uma Bienal vazia. Vazia de forma, vazia de conceito: exceto ao MARGS, quase tudo que foi exibido me pareceu artisticamente carente. A preocupação maior dos artistas foi abordar um conceito, defender uma ideia, o que fez com que acabassem esquecendo dos aspectos formais. Na minha opinião de estudante de artes visuais, como o nome do campo já indica, a obra tem que cativar primeiramente pelo que vemos. Se isso nos atrai, então vamos nos perguntar o que ela tenta nos dizer. Infelizmente, o artistas vem se preocupando cada vez menos com os aspectos formais (dizem que isso é uma questão moderna, não contemporânea)e focando no conceitual. E se a estética é fraca, o conceito tem que ser forte. E o que acontece se esse é clichê? O que se faz quando, pelo olhar, a imagem não nos toca e seu discurso é filosofia barata, discussão óbvia, debate de aula de religião? Por, último, pergunto: o que fazer se a Bienal grita e eu não escuto? Aí fica difícil até mesmo pra quem vai disposto a romper preconceitos.

Olha, depois de visitar as exposições do Cais do Porto e do Santander Cultural, não sei mais o que será do meu futuro. Sinceramente, se isso - ter como essencial algum discurso e não tocar sensivelmente- é o contemporâneo, sou mesmo um projeto de artista modernista. Minha questão é formal. Meu apelo é pelos sentidos, não pela razão. Meu tesão é pelo inconsciente. Gosto do indizível.

O que será da arte no século XXI? Será o fim da história da arte, como diz o título do livro de Hans Belting? É... de novo me vejo conversando com Tom Wolfe e resta a pergunta: Que fim levaram todas as flores?

Compreendendo a arte

A arte pode não ser uma ciência (felizmente!), mas não deixa de ser uma forma de conhecimento. Sendo assim, precisa-se de dedicação para se atingir sua essência. Ninguém nasce absorvendo arte, apesar de desenvolver-se, desede muito cedo, um gosto. O problema é que se deve desvincular a arte desse patamar tão subjetivo.

Não pretendo afirmar que a arte deva ser exata e que é vazia de subjetividade: há, sim, em seu campo, muita sensibilidade envolvida. Mas, ao falar em sentir, gostaria aqui de me referir a algo construído a partir de uma bagagem artística. Logo, apesar de podermos simplesmente gostar mais de uma cor do que de outra (gosta-se porque se gosta), não podemos limitar a arte a esse tipo de julgamento. Afirma-se isso, pois não se pode apresentar uma obra de arte contemporânea a um leigo e esperar que ele goste dela.

Tentarei ser mais clara: na avaliação das coisas banais, não há complexidade alguma, por isso pode-se aceitar o "gosto" ou "não gosto", que não são julgamentos complexos. Já naquilo que não é simples, não se pode satisfazer-se com o gostar ou não (gosto é gosto!). E a arte não é nem um pouco simples.

Assm, só compreenderá por que uma vaca morta dentro de um "aquário" é considerada um objeto de arte valiosíssimo, quem tiver o conhecimento da arte e compreender que essa não se limita à fruição espontânea do gostar. Precisa-se ter um olhar acostumado, uma história de freqüentação,leituras fundamentais e constante reflexão.

Um pouco de autobiografia: com 8 anos, meu ídolo era Da Vinci e meu anti-ídolo, Picasso. Pelos nove, dez anos, comecei a me interessar pelos impressionistas e achar os renascentistas desinteressantes. Já pelos doze, minha atenção voltou-se para Picasso (aquele sobre cujos desenhos expostos numa Bienal tive vontade de cuspir) e por ele fui obcecada por um bom tempo. Hoje, próxima dos dezoito, sou fascinada pela arte contemporânea e sua enorme variação de artistas: lúdicos ou agressivos, poéticos ou matemáticos, estáticos ou híbridos.... e poucas coisas me instigam tanto quanto os animais de Damien Hirst ou os monstrengos bizarríssimos de Patricia Piccinini.

Portanto, para entender a complexidade da arte atual, recomendo começar das coisas mais belas e tradicionais, passando por cada vanguarda, até chegar na metade do século XX. Se sobreviver até aí, digo, se estiver convencido de que tudo que se considera arte (pela crítica, pela história)merece essa denominação, já pode-se enfrentar a contemporaneidede. Algumas dicas básicas: arte não serve para decoração - aliás, não serve para nada, sua razão de ser é simplesmente de "arte pela arte" - por isso, esqueçam a interrogação:" Quem vai colocar isso em casa?!" . Segundo: arte não tem de ser necessariamente bela e agradável, desde que provoque alguma comoção na gente, positiva ou negativa. Logo, algo repugnante, revoltante, pode ser extremamente artístico. Por último, o valor da arte não está no trabalho que deu ao artista para executar a obra e sim no quanto essa nos toca. Portanto, se apenas uma linha no vazio me tocar, ela é arte. Além disso, pode parecer estranho, mas, normalmente, as obras mais minimalistas de um artista são as mais maduras, ou seja, para ele chegar nessa síntese extrema, ele teve de fazer coisas visualmente muito mais elaboradas.

Queria deixar claro que nesse texto me referi às artes visuais, mas acredito que também na música, na literatura ou no cinema, a teoria de que precisa-se de um "estudo" da arte, de uma familiarização com ela para poder-se compreendê-la é válida. Um exemplo bobo: quando se trata de Beatles, começa-se ouvindo Please Please Me , para depois se conseguir apreciar um White Album (se minha cultura musical fosse mais significativa daria um exemplo melhor).Da mesma forma, ninguém digere Galuber só tendo assistido a filmes hollywoodianos.

Por último, acho importante dizer que sempre haverá artistas com os quais não nos identificaremos, isto é, cujas obras não nos afetarão, por melhores que sejam. Eu, por exemplo, ao ver um Mondrian, pouco me emociono. Porém, isso não justifica eu desrespeitá-lo, pois tenho noção da relevância de sua obra, mesmo essa tendo pouco significado para mim. Por isso ressaltei no início do post a importância de separar a subjetividade da análise artística (crítica e objetiva).

O "mínimo" de Miró: cheio de expressão e posterior a muitos "exageros"

A fonte de Duchamp: impossível falar-se em ruptura, em um novo conceito de arte, sem passar por ela.

"Mother And Child", as vacas mergulhadas em formol: uma das obras mais caras de todos os tempos. Se alguém comprará para decorar sua casa? Improvável.

"Fantasia de Compensação" : o processo cirúrgico de um homem recebendo órgãos caninos, criação de Rodrigo Braga, do qual já falei aqui em outro post. Outra obra que desconforta, provocando náuseas e revolta.

"We Are Family": as criaturas horrendas de Patrícia Piccinini, provando que nem sempre o belo está presente na arte.

Picasso: o artista sem estilo

Foto de David Douglas Duncan

Foto de Robert Doisneau

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de Los Remedios Cipriano de la Santissima Trindad Ruiz y Picasso, nascido em 25 de outubro de 1881, na cidade catalã de Málaga e mais conhecido como Picasso (sobrenome da mãe), sempre gostou de desenhar. Seu pai, pintor medíocre e preofessor, logo viu o talento precoce do menino (Pablito, será?) e decidiu entregar-lhe seus pincéis e encaminhá-lo à Barcelona, onde estudaria arte. De fato, na época – ao contrário do que ocorre hoje -, Barcelona não era lá um grande centro artístico, mas sim o que havia de mias acessível ao jovem arteiro considerando-se localização e condições financeiras.

Tendo seus primeiros quadros vendidos na nova cidade, mudou-sem para Madrid. No entanto, bom mesmo seria ir à Paris, onde a arte realmente acontecia. Então, em 1904, já tendo passado por lá anteriormente, mudou-se definitivamente para a Cidade Luz. Lá conhece não apenas os prostíbulos, como os cafés, e, da mesma forma, tanto as mulheres – e quantas! – como grandes artistas e intelectuais (Apollinaire, Jean Cocteau e Gertrude Stein..).

Apesar dos anos sofridos de miséria em Paris, Picasso foi recompensado, tornando-se, anos depois, milionário. No entanto, só se pode falar em recompensa, considerando-se seu árduo trabalho, sua determinação, ao contrário de alguns de seus contemporâneos que eram antes boêmios que artistas.O próprio artista dizia:“Morrerei de pincel na mão”, e, se não morreu, foi por acaso, já que continuou produzindo até seus últimos dias. Sobre isso, Carlos Heitor Cony, na revista Manchete de abril de 1973, afirma: “Enquanto outros artistas e escritores se devoravam nas fórmulas abstratas da arte e da vida, Picasso ia imprimindo um ritmo vertiginoso à sua produção, abrindo a sua inspiração a todos os caminhos que se cruzavam à sua volta, mas sem esquecer que a arte requer uma disciplina existencial – e a primeira e mais pesada manifestação dessa disciplina era o trabalho.”

Porém, Picasso não somente se diferenciava de seus colegas pela disciplina, mas também por sua inquietude, que o fazia transitar por todos os estilos, concedendo complexidade e inclassificabilidade à sua obra. “ A sua arte atravessaria 80 anos de história da pintura, seria contaminada por todos os movimentos de seu tempo – e a todos poderosamente contaminaria. Do realismo ao surrealismo, do cubismo ao expressionismo, da fase azul à fase rosa, dos retratos às gravuras eróticas, da escultura à cerâmica, da ilustração de livros aos murais, de tudo Picasso provou, mas sempre quis mais.” Certa vez, ao ser perguntado sobre qual dos seu períodos gostava mais, respondeu: do próximo. Pode-se dizer que, se nós o consideramos o pintor de todos os estilos, ele, paradoxalmente, se denominava um pintor sem estilo.

No entanto, há algo que conservou em todas suas fases: a hispanidad. “Sua vontade de ser espanhol só era menor que sua vontade de ser pintor” , afirma Cony. Assim, foi a Paris para evoluir como pintor, mas, mesmo após anos vividos na cidade, nunca naturalizou-se francês, concentrando-se em manter-se espnahol. Como conseqüência, suas obras nunca abandonaram os resquícios espanhóis, apresentando como temática as touradas, as crianças, as fanfarras, e como característica as cores, a luz e a vitalidade do seu país de origem.

Não gastarei meu tempo falando de suas inúmeras mulheres-trocava de mulheres como trocava de pincéis -, apesar de elas terem tido efeito significativo em sua obra ou mesmo sido tema dela (uma de minhas séries favoritas é a dos retratos de Dora Maar) , pois isso é o que as pessoas mais parecem saber sobre Picasso (relacionamentos sempre dão o que falar). Também não falarei de sua relação com Franco e a segunda guerra e, portanto da Guernica, porque isso se aprende no colégio. Fecho esse post com duas citações suas a respeito da arte:

“ Não existe liberdade para ninguém, muito menos para o artista. A obra escraviza.”

“A arte não não é casta. A arte é perigosa. É reveladora. Se é casta ou se não revela, não é arte.”

"O que você acredita que é um artista? Um imbecil que só tem olhos se for pintor, ouvidos se for músico, ou uma lira em todos os andares do coração se for poeta? Muito pelo contrário, ele é ao mesmo tempo um ser estético, constantemente em alerta diante dos dilacerantes, ardentes ou doces acontecimentos do mundo, refletindo-os na forma como realiza sua obra. Como seria possível desinteressar-se dos outros homens? Graças a qual indolência, dissociar-se de uma vida que eles lhe trazem de modo tão abundante? Não, a pintura não é feita para decorar apartamentos. É um instrumento de guerra ofensivo e defensivo contra o inimigo."

"A obra de um artista é uma espécie de diário. Quando o pintor, por ocasião de uma mostra, vê algumas de suas telas antigas novamente, é como se ele estivesse reencontrando filhos pródigos - só que vestidos com túnica de ouro."

"A Arte não é a verdade. A Arte é uma mentira que nos ensina a compreender a verdade".

"O artista é como um receptáculo de sentimentos que vêm de toda a parte:do céu, da terra, de um pedaçõ de papel, de uma figura que passa, ou de uma teia de aranha"

A pomba, um dos símbolos do artista, em versão minimalista

O minotauro, motivo muito freqüente





Retrato de Françoise Gilot




Guernica, a obra prima

A face escultora

"La joie de vivre"

A fase clássica

Obra inaugural do cubismo

"As banhistas"

Fase rosa

Fase azul

Um Picasso impressionista

No meio do caminho - Ensaio sobre Benjamin Button

Acabo de chegar em casa do cinema. Assisti ao tão comentado "O Curioso Caso de Benjamin Button". Mesmo tendo ido com altas expectativas do filme, não houve frustrações e sim surpresas. A principal delas foi a maneira com que o filme me tocou. Não sou de chorar em filme, mas esse me obrigou a fazer um esforço enorme para conter as lágrimas ao término da sessão, quando quis esconder a maquiagem borrada do resto da platéia.

Também não sou dessas pessoas que se deixam levar pelas emoções e colocam o que tiver para fora, independente das circunstâncias, por mais inadequado que isso seja vindo de uma artista plástica. Dificilmente me sensibilizo com algo a ponto de imediatamente após ter tido contato com o mesmo - seja um acontecimento ou uma obra de arte - ir correndo desabafar, ou seja, expressar-me, ainda mais quando passa da meia noite. Fosse qualquer outro filme, peça, show ou exposição, já estaria no conforto do meu travesseiro, na segurança da minha rotina. Dessa vez não me contive, ignorei o relógio e decidi externar o que o filme produziu em mim.

......

Ao sair da sala de exibição, tudo que eu olhava parecia mais carregado de vida, lembranças, significados. Pessoas ao meu redor davam-me a impressão de estarem sendo levadas para um caminho do qual não escapariam:(nascer) crescer, envelhecer, morrer. Cada objeto me lembrava uma fase da minha vida e me fazia pensar em como tudo passou, como tudo escapou. Como nada pude, nem poderei controlar. Fraldas brotavam no meu campo de visão como para me lembrar de que eu já as usara e de que um dia as colocaria em alguém saído(a) de mim.

Enfim, a marcha inexorável dos anos, muito bem retratada no filme. Uma pessoa que nasce idosa -um bebê com rugas -, vive uma infãncia geriátrica - por sua aparência e pelas pessoas que o circundam numa espécie de asilo - em que conhece uma menina aproximadamente da sua idade, mas obviamente com aspecto infantil, chamada Daisy; e vai rejuvenescendo, à medida que muitos à sua volta vão envelhecendo e outros partindo (o que vai comovendo-nos conforme se dá o enredo). Seja Benjamin, o protagonista de crescimento invertido, seja o resto dos personagens , que representariam a população "normal", todos sofrem a ação do tempo e nada podem fazer para controlá-la. Exemplo disso é quando, já na reta final da história, Benjamin Button, fisicamente uma criança, é entregue aos cuidados de uma idosa chamada Daisy, a mesma com quem tivera um romance na época em que ambos se encontravam na metade do caminho.

Nessa metade é que parece se dar a lucidez dos personagens, de que nada seria pra sempre, de que cada um sofreria os efeitos da passagem dos anos e de que teriam de aceitá-los. Como dizia um professor que tive, é por volta dos quarenta anos, da metade da nossa vida, da metade do caminho, que nos deperamos com a pedra, metáfora da morte utilizada por Drummond ("No meio do caminho tinha uma pedra...."). Eu posso não ter tido ainda meu momento de esclarecimento da morte do alto (baixo seria mais adequado) dos meus dezessete anos, mas, com certeza, esse filme mecheu comigo nesse ponto, na idéia de finitude, na percepção de que pode-se passar a vida toda lutando contra o destino, mas na última hora é deixar-se levar, como foi repetido em frase semelhante no filme. Contudo, se estamos todos marchando para "lá"- seja onde for - talvez fosse melhor adotarmos essa política de permissividade durante toda nossa existência, e não só no último momento....

É provável que eu tenha sido influenciada por essa citação que se repetiu no filme, que não lembro exatamente o que dizia, mas terminava com "let go", que eu substituiria por "deixar-se levar". Deixar-se levar - pela vida, pela emoção - algo difícil, mas que estou exercitando nesse exato instante ao invés de seguir o script da minha rotina regida por despertadores, alarmes, lembretes de "dos and don´ts" e ignorar minha sensibilidade.

Benjamin e Daisy no início e na metade do caminho

Carta ao professor / Em prol de Caetano

Caríssimo professor João Armando Nicotti:

Sei que a chance de leres isso é a mais ínfima. Contudo, minha profunda decepção em relação a ti não me permite prmanecer calada. Venho aqui a falar sobre a tua lamentável comparação entre Chico Buarque de Holanda e Caetando Veloso, repleta de sarcasmo (como de hábito) e deboche.

Primeiramente, admito a grandiosidade do Chico. Sua capacidade literária é incontestável, como se vê em letras como “Cálice”, “Joanna Francesa”, “Ana de Amsterdam”, “Construção”, “Roda-viva”, “Até o Fim” e infinitas outras. Mas é exatamente esse o ponto: como é possível alguém indignar-se diante do fato de que Chico não é chamado para cantar na tevê, se ele é um grande compositor, mas não cantor? Até canta, mas convenhamos que não é o forte dele. Eu, por exemplo, tenho uma preferência enorme por suas músicas interpretadas por cantores como Nara Leão, Elis Regina, Ney Matogrosso ou Mônica Salmaso. Por isso, querido professor de literatura, compreendo que prefiras ele em relação a Caetano, afinal, sua poesia é, normalmente, superior (o advérbio é empregado, pois Caê também tem letras fantásticas). Não achas óbvio que tenham preferência para chamar um bom cantor na hora de interpretar Tom Jobim na homenagem à bossa nova? Se quisessem que fosse criada uma canção homenageando-o, tudo bem, chamem Chico. Porém, não para cantar, por favor.

Além de ter criticado a escolha de Caetano para fazer parzinho com Roberto Carlos, o Senhor Professor criticou a popularidade do primeiro, afirmando esse ser um cantor global. Pergunta: o fato de alguém ter suas músicas em trilhas sonoras da globo ou aparecer cantando nessa emissora tira sua qualidade musical? Creio que não. Até porque, gênios da música como Tom Jobim freqüentemennte tem suas canções como aberturas de telenovelas e não por isso eles perdem sua excelência. Pra ser bem sincera, acho isso RECALQUE.

Mas se o grande *Ruski, não tolera a arte facilmente digerível, posso indicar alguns discos menos comerciais do caetano. Que tal Araçá Azul? Na minha opinião, suas músicas exigem mais do ouvinte que qualquer uma do Chico Buarque que eu conheça.

O problema é que as pessoas tem uma dificuldade imensa em compreender a capacidade de auto-reciclagem de artistas como esse baiano. Preferem o que é constante, como o carioca filho de Sérgio Buarque de Holanda. Não encaram bem as milhares de fases por que Caetano passou, sempre absorvendo como uma esponja diversas culturas, sempre se renovando, sempre surpreendendo, com suas múltiplas facetas. Caetano nunca é igual. Caetano é artista.

Já Chico, esse não é muito ligado às surpresas, no sentido de se renovar. Ele surpreende-nos, sim, com sua genialidade, com suas rimas e com sua capacidade de colocar letra em qualquer composição que lhe entreguem (desde que essa seja de bom nível). Contudo, não transita muito pelos gêneros musicais. Não é adepto às guitarras. Não mistura ritmos. Não é amigo do experimentalismo. Chico segue em linha reta. Chico é poeta.

Por isso entendo que alguns prefiram-no. No entanto, acho que, por uma questão de respeito, não se deve debochar de um gigante, ainda que se tenha predileção por outro. Não se pode falar do inventor (juntamente com Gilberto Gil) do Tropiocalismo, como se ele não tivesse um passado tão fabuloso. Como se ele não tivesse revolucionado a música brasileira. Como se ele não tivesse enxergado muito antes o que ninguém via, valorizasse nossa cultura e a mesclasse com estrangeirismos com tamanha genialidade, a qual o povo só foi reconhecer tempos depois de sua consagração (sem falar nos que ainda não reconheceram...).

Também achei de uma ignorância meu professor ter mencionado a crítica política de Chico Buarque defendendo sua superioridade em relaação a Caetano nesse aspecto. Sim, Chico escreveu “Cálice”, cantou “Cale-se”. Mas reconheça, por favor, que Caetano não foi nenhum alienado nesse período. Pelo contrário, foi preso, exilado! Pode não ter composto muitas músicas voltadas para o debate político, mas suas atitudes e suas palavras fora do palco devem ser lembradas como atos de descontentamento e rebeldia. Além do mais, rebelar-se contra a ditadura não significa apenas compôr contra essa, mas também criar uma sonoridade livre, demonstrando-se, por conseguinte, contra qualquer tipo de conservadorismo vigente.**

Por último, o argumento mais lamentável utilizado pelo professor João Armando Nicotti foi sua crítica às preferências sexuais do meu amado cantor: disse que respeitava sua bissexualidade (acho que ele falou HOMO, o que é mais uma mentira), mas não compreendia sua atração por ACM e , portanto, não poderia levá-lo a sério. Ouquei, sôr, se é por isso, afirmo: até entendo que Chico aprecie futebol, mas... ser tricolor? Isso não....!

*Ruski, de russo: é um dos apelidos do professor, devido a seu gosto pela literatura russa.

** http://www.youtube.com/watch?v=mCM2MvnMt3c

(uma prova da "falta de engajamento" político do meu baiano...)

Paródias

1)Manuel Bandeira x Júpiter Maçã

Vou-me embora pra Pasárgada

Vou-me embora pra Pasárgada
Lá sou amigo do rei
Lá tenho a mulher que eu quero
Na cama que escolherei



Vou-me embora pra Pasárgada
Vou-me embora pra Pasárgada
Aqui eu não sou feliz
Lá a existência é uma aventura
De tal modo inconseqüente
Que Joana a Louca de Espanha
Rainha e falsa demente
Vem a ser contraparente
Da nora que nunca tive



E como farei ginástica
Andarei de bicicleta
Montarei em burro brabo
Subirei no pau-de-sebo
Tomarei banhos de mar!
E quando estiver cansado
Deito na beira do rio
Mando chamar a mãe-d'água
Pra me contar as histórias
Que no tempo de eu menino
Rosa vinha me contar
Vou-me embora pra Pasárgada



Em Pasárgada tem tudo
É outra civilização
Tem um processo seguro
De impedir a concepção
Tem telefone automático
Tem alcalóide à vontade
Tem prostitutas bonitas
Para a gente namorar



E quando eu estiver mais triste
Mas triste de não ter jeito
Quando de noite me der
Vontade de me matar
— Lá sou amigo do rei —
Terei a mulher que eu quero
Na cama que escolherei
Vou-me embora pra Pasárgada.

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Um lugar do caralho

Eu preciso encontrar

Um lugar legal pra mim dançar

E me descabelar

Tem que ter um som legal

Tem que ter gente legal

E ter, cerveja barata

Um lugar onde as pessoas sejam mesmo afudê

Um lugar onde as pessoas sejam loucas e super chapadas

Um lugar do caralho

Sozinho pelas ruas de São Paulo eu quero achar alguém pra mim

Um alguém tipo assim:

Que goste de beber e falar,Lsd queira tomar e curta

Syd Barrett e os Beatles

Um lugar e um alguém que tornarão-me mais feliz

Um lugar onde as pessoas sejam loucas e super chapadas

Um lugar do caralho

Um lugar do caralho

2) Gonçalves Dias x Gilberto Gil

Canção do exílio

Minha terra tem palmeiras,

Onde canta o Sabiá;

As aves, que aqui gorjeiam,

Não gorjeiam como lá.

Nosso céu tem mais estrelas,

Nossas várzeas têm mais flores,

Nossos bosques têm mais vida,

Nossa vida mais amores.

Em cismar, sozinho, à noite,

Mais prazer eu encontro lá;

Minha terra tem palmeiras,

Onde canta o Sabiá.

Minha terra tem primores,

Que tais não encontro eu cá;

Em cismar –sozinho, à noite–

Mais prazer eu encontro lá;

Minha terra tem palmeiras,

Onde canta o Sabiá.

Não permita Deus que eu morra,

Sem que eu volte para lá;

Sem que disfrute os primores

Que não encontro por cá;

Sem qu'inda aviste as palmeiras,

Onde canta o Sabiá.

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Back in Bahia

Lá em Londres, vez em quando me sentia longe daqui
Vez em quando, quando me sentia longe, dava por mim

Puxando o cabelo nervoso, querendo ouvir Celly Campelo pra não cair

Naquela fossa em que vi um camarada

Meu de Portobello cair

Naquela falta de juízo que eu não

Tinha nem uma razão pra curtir

Naquela ausência de calor, de cor, de sal,

De sol, de coração pra sentir

Tanta saudade preservada num velho baú de prata dentro de mim

Digo num baú de prata porque prata é a luz do luar

Do luar que tanta falta me fazia junto do mar

Mar da Bahia cujo verde vez em quando me fazia bem relembrar

Tão diferente do verde também tão lindo dos gramados campos de lá

Ilha do Norte onde não sei se por sorte ou por castigo dei deparar

Por algum tempo que afinal passou depressa, como tudo tem de passar

Hoje eu me sinto como se ter ido fosse necessário para voltar

Tanto mais vivo de vida mais vivida, dividida pra lá e pra cá

A imprensa anda cada dia mais "divertida"...

1. Por que a imprensa odeia tanto o Caetano?! Só pode ser dor de cotovelo... O cara respira e já arranjam uma implicância nova. Parece até que estamos de volta aos anos 60-70, quando achavam que tudo que ele dizia ou fazia era subversivo, contra o país... Prmeiro passam a julgar ele por um momento de fraqueza que ele teve ao se irritar com aincompetância da Emetevê em um show. Depois, distorcem completamente o que o homem disse quanto aos candidatos à presidência doe Estados Unidos, levando a afirmação "Prefiro preto à mulher" pro lado sexual, quando tratava-se de um comentário em relação ao modo de governar de cada um (posteriormente ele modificou a frase:“Talvez eu tenha dito que prefiro à causa dos negros à causa das mulheres”). E agora, deram pra falar mal do show dele com o Roberto. Ok, criticar arte também faço, mas que critiquem direito!

Para mais informações, o blog do mestre:
www.obraemprogresso.com.br



2.Estou seriamente pensando em assinar a Veja. Assim, quando estiver querendo me divertir, tenho algo pra ler... Para quem está atrás de diversão, recomendo a Veja da semana retrasada, entitulada "O inssino no Brasiu è otimo". Abrindo a revista, espera-se uma crítica à qualidade do ensino brasileiro em termos de formação de lógica e, principalmente de expressão escrita. No entanto, a reportagem surpreende, criticando a falta de formação dos professores, principalmente os de esquerda(ou não de extrema direita) e a "doutrinação" que estes fazem com os alunos (em momento algum se fala que os estudantes mal sabem escrever, como sugere a capa). A palavra aparece entre aspas, pois a revista passa a considerar a equação formar=doutrinar, alegando que todos os educadores que acreditam ser mais importante formar cidadãos a simplesmente ensinar a matéria, serem doutrinadores (pelamordedeus!!!!).
A reportagem possui uma série de equívocos,como quando afirma que atualmente as máquinas não tiram mais empregos e que dizer que o fazem é não capacitar os alunos para o mundo em que vivemos, em que a tecnologia é reponsável por muitos empregos(a matéria coloca, inclusive, que no século dezenove a industrialização foi responsável por tirar nove em cada dez pessoas da pobreza). Ela faz isso no intuito de criticar um professor anchietano que, ao ensinar Revolução Industrial , explicou que o desemprego até hoje pode ser causado por melhorias tecnológicas, sugerindo que os filhos de empresários questionassem seus pais a respeito do assunto, isto é, se eles estavam contribuindo para o desmprego.
Duas críticas construtivas:
Primeiro: é impossível falar de Revolução Industrial sem citar desemprego ou sem criticar grandes empresários da época, e isso não é nenhuma esquerdização, mas uma narração de fatos históricos.
Segundo: já que a Veja é alienada e pensa que vivemos em um mundo cor-de-rosa, gostaria de citar o Iguatemi de Porto Alegre como exeplo de empresa que tira empregos ao adotar tecnologias, como fez há alguns anos em seu estacionamento.

Há outras aberrações na reportagem e, como sempre, a revista voltou a atucanar o finado Guevara. Dessa vez, não o chamou de fedorento como anteriormente, mas chegou ao ponto de afrmar que Che só serviu para enriquecer empresários do ramo da moda com as estampas da foto lendária do revolucionário. Esse absurdo se deu na tentativa de refutar um livro de história que explicava que o argentino poderia ter se dedicado à medicina e ter levado uma vida tanqüila e burguesa, mas, em vez disso, foi lutar pelos fracos e oprimidos (péssimo clichê de expressão, por sinal).Por fim, a Veja completa que o líder teria ajudado muito mais pessoas tornando-se médico e salvando inúmeras vidas com a descoberta de uma vacina (até porque, isso só um médico muito incompetente não faz, basta ver como surgem milhões de novas vacinas por ano).

Ah, lembrei de mais uma: a revista parece indignada com o fato de os professores se identificarem mais com Paulo Freire do que com Einstein. Okay, ñão entendi o porquê. Afinal, é lógico que, como EDUCADORES, terão maior identificação com um EDUCADOR!

E, finalizando a leitura do texto da Veja, pode-se concluir que o feitiço virou contra o feiticeiro: na reportagem, critica-se o fato de os professores estarem esquerdizando os alunos, mas a revista faz o mesmo em sentido contrário com seus leitores, tentando direitizá-los, falando mal de qualquer coisa que pareça um pouco esquerdista e direcionando a opinião desses, como quando compara o ensino do Brasil com o da Finlândia, mostrando duas fotos: do primeiro país, uma sala simples com alunos de ensino fundamental e escola pública (provavelmente); do segundo, um laboratório de química com alunos de ensino médio. Baita trapaceiros!

Aiai, no mínimo, hilário. Confiram!

Há uma férrea ligação entre cabelo e personalidade.

Conheço uma moça que tem os cabelos mais crespos do mundo (DO MUNDO). Você se pergunta: "Essa espécie ainda existe?" Pois sim, meu bem. Porém, implica conseqüências: aparecimento de unhas enormes e perigosíssimas, dando margem ao afloramento do instinto selvagem, “enroucamento” da voz, o que estimula o desenvolvimento da habilidade de emitir grunhidos...

Agora falando sério (e plageando Chico) : existem sim decorrências da afirmação dos cachos, mas não tão surreais (ou eróticas, como preferir). Digo afirmação, pois existem dois caminhos para as mulheres encaracoladas: alisamento ou enfrentamento. A minha amiga, como já se percebeu, optou pela segunda. Não sei exatamente distingüir causa e conseqüência aqui: ou ela sempre teve uma personalidade forte e, por isso, não se submeteu ao sistema; ou criou toda essa força como armadura no enfrentamento da sociedade teenager. O fato é que ela é uma mulher de gênio.

Aliás, uma mulher de voz, de olhares, de unhas (apesar de não estarem relacionadas ao cabelo) e dentes, de pés, de cabelos. Chega num abiente, todos notam. *Faz coisas nos meus cabelos com as garras que provocam reações e opiniões alheias, no mínimo, hilárias. Pisa com seu andar elegante, mesmo quando veste alstares, sem estar. E me pergunta todo dia: “Meu cabelo tá bom?”. E eu respondo: “Igual ao de sempre”. Se indigna. Mas, o que ela espera, um cabelo que impões presença daquele jeito, com toda sua crespura, não nos deixa parar nos detalhes, fazendo-nos percorrer as ondulações como um todo. (Carol chapada)

Provoca até medo,a ponto de uma das melhores amigas afirmar :"Nunca briguem com ela.". Fica louca quando alguém a desrespeita, crava suas unhas na pele de quem se atrever fazê-lo, e mal consegue falar nas aulas de filosofia, história ou religião, quando algo está em debate (já foi bem mal-interpretada).

E como se não bastasse tod’essa quase macheza (QUASE, antes que me batam), seriedade, pé no chão, me vem falar de camélias rosas, molhadas no chão do colégio, com um encanto quase que sobrenatural, delirante, total 70’s.

Vê se eu posso.



*leia-se cafunés.

PS I: Que fique bem claro que somos apenas boas amigas. Ainda que gostemos de provocar nossos colegas com frases como “Toda mulher tem um lado lésbico”.
PS II: Essa idéia me surgiu ontem mesmo, lembrando da nossa amizade ao longo desses dois últimos anos e do quão doce a moçoila do post ficou de um tempo pra cá. Por que será...?
PSIII: Qualquer erro de português se deve à pressa e ao sono. Perdão.

Querelas do Brasil

Desde a edição comemorativa de dez anos da São Paulo Fashion Week, tenho ouvido o debate a respeito do que seria o design brasileiro. Essa polêmica, que a partir daí passou a me atucanar, engloba diversos questionamentos: existe uma identidade brasileira em termos criativos? Se sim, como mantê-la em tempos globalizados? Deve haver uma preocupação em criar produtos com a cara do Brasil?

No entanto, essa discussão não é tão recente assim: sabe-se que desde a Semana de Arte Moderna de 1922 e, mais ainda, nos manifestos que a seguiram (Anta, Pau Brasil, Antropófago...) isso está em pauta. Os modernistas da época tinham então uma enorme preocupação sobre como deveria ser a arte brasileira: uns, mais ufanistas, defendiam o índio tupi-guarani como o herói; outros, menos radicais, defendiam uma deglutição da cultura européia, sendo absurdamente acusados de afrancesados. Essa última idéia, presente na antropofagia de Oswald, dizia que deveríamos absorver a cultura do Velho Mundo e aproveitar aquilo que pudesse ser útil à nossa arte, evacuando o restante. Assim, estaríamos formando a nossa própria identidade artística.

ABAPORU: símbolo da Antropofagia


Esse conceito foi então retomado mais ou menos umas quatro décadas depois, no Tropicalismo, quando passou a misturar-se o rock´n´roll com o samba e outros ritmos daqui. Para mim, todo assunto poderia ter se encerrado por aí, mas, como a arte está em constante mudança e, conseqüentemente sempre sugerindo novas indagações, essa história não parou na época dos Mutantes. Decorreram-se então mais quarenta anos e ainda não sabemos qual é a cara da nossa arte.

Os tropicalistas

Como já disse anteriormente, o design brasileiro está vivendo um dilema. Uns sentem-se na obrigação de fazer trajes com cores vibrantes e cortes sensuais, acreditando estarem representando bem nossa identidade; já outros, estão nem aí pra essa história de design tipicamente brasileiro e vão no trem da globalização, seguindo as tendências européias; por fim , ainda há aqueles que, à exemplo dos modernistas da primeira geração e dos tropicalistas, fazem suas criações aliando o bom daqui ao bom de lá. Exemplos desse último grupo que me agradam imensamente, são os móveis dos Irmãos Campana e as roupas do Alexandre Herchcovitch, ambos coloridos, com aquela cara tropical, mas sem dar a impressão de terem saído da Amazônia (até porque, o Brasil não se restringe a essa região).

ufanismo x globalização




Alexandre: estampas à brasileira em corte à moda européia

Ronaldo Fraga: outro que mistura o conservadorismo estrangeiro com elementos da nossa cultura. No caso da foto, as roupas inspiram-se na poesia de Drummond.



Duas criações de uma das séries de poltronas mais famosas dos Campanas



Mas será que é necessário descobrir qual é o nosso estilo? Será que não estamos perdendo com essa discussão o tempo que poderíamos utilizar para desenvolver produtos incríveis? Para o arquiteto e designer Guto Índio da Costa, todo esse debate é inútil e, de fato, devemos nos focar em fazer bom design:"Just do it", prega Guto, parafraseando o slogan da Nike. Também diz ele que só quando tivermos uma tradição estética, isto é, uma geração de grandes criadores, poderemos analisar o que se faz aqui. Concorda com ele o Prof. Simon Bolton, diretor do MA Innovation Management - Central Saint Martins College, que afirma estarmos tornando uma simples discussão em um bicho de sete cabeças (tanto que não resolvemos isso em quase um século). Além desse aspecto, ele crê que, atualmente, o design brasileiro seja aquele que é bem feito aqui, como as famosas Havaianas.

Moda praia da Rosa Chá: representa o que nos torna mundialmente conhecidos.

Okay, então devemos criar sem pensar. Sei não. Apesar de ser isso que eu faço e, conseqüentemente nunca conseguir responder à típica pergunta "O que tu quiseste dizer com isso?", penso que temos sim que pensar no que criamos(tanto que, não refletindo a respeito do que crio, reflito sobre o que os outros criam - o que é bem mais fácil e prazeroso). No entanto, isso tem que ser necessariamente natural, como explicou-me uma aluna do Instituto de Artes da UFRGS. Logo, não devemos nos forçar a ter um discurso sobre o que estamos criando, mas fazer isso como um impulso natural, o que precisa ser desenvolvido, obviamente.

Outro aspecto que fortifica essa opinião é o de que estamos extremamente sujeitos à influência externa, principalmente devido à nossa falta de auto-estima. Assim, acabamos sempre fazendo as coisas inconscientemente com base no que é feito no exterior e, até mesmo, imitando o povo de lá, por não acreditarmos em nosso talento. Portanto, talvez antes de pensarmos em criar uma arte com a nossa cara, devessemos nos concentrar em criar segurança no que fazemos. Afinal, como cantava Elis Regina na música que dá título a esse texto, "O Brazil não conhece o Brasil".

Juliana Jabour e Stella McCartney: imitação grosseira.

Como provavelmente você também, tenho minhas melhores idéias no banho. Se é a água escorrendo e o efeito de relaxamento que ela produz ou o isolamento do mundo que se tem nesse precioso momento, já não sei dizer. Mas, indubitavelmente, se eu tivesse menos afazeres e (antes que o Al Gore venha me bater) se a situação ecológica do mundo fosse outra, eu iria pro chuveiro pelo menos quatro vezes por dia e lá ficaria durante uns bons vinte minutos.

Dessa vez, além do que eu acabei de relatar, pensei sobre três coisas: sobre a obra da Elida Tessler, tão carinhosamente criticada pelo Milton, e sobre o trabalho do Rodrigo Braga exposto na pinacoteca da UFRGS (que também tem recebido críticas amorosas).

Começando pelo trabalho do Rodrigo:
Acho incrível como a técnica (gestual, né, Luiza?) interfere no nosso ponto de vista a respeito da obra. Em outras palavras, um trabalho pode perder ou ganhar valor de acordo com o modo como foi feito (pelo menos é assim que acabamos julgando as coisas). No trabalho do Rodrigo Braga, a técnica foi determinante na formação da minha opinião.

Pra dar uma esclarecida àqueles que não fazem idéia de que eu esteja falando,a obra, chamada "Fantasia de Compensação", trata-se de fotos que mostram um processo cirúrgico em que cortam-se partes de um cachorro (orelha, focinho, couro, etc)e costuram-se essas no rosto de um homem. Certamente, já dá pra perceber o quão chocante é o trabalho. Ainda assim, pra quem segue a filosofia do "ver para crer" ei-lo aqui:









Pois bem. Como havia dito, antes de ter visto a obra, havia ouvido falar dela. E muito mal - o que eu acho compreensivo. Digo isso, pois quem me contou sobre ela, acreditava ela ter sido feita da maneira que de fato parece ter sido: cortando-se pedaços do cachorro e aplicando-os a um homem. Certamente, ao saber disso,fiquei chocada. Achei a obra um absurdo, chamei o artista de todos os nomes e fiquei tentando buscar uma explicação para alguém transgredir o princípio da vida (por favor, não associem isso a minha opinião sobre abortos). Até porque, independente de quem se é, do que se gosta e se acredita, espera-se que todos, acima de tudo, respeitem a vida por uma questão ética. Afinal, antes a vida, depois a arte.


Seguidos alguns dias da conversa e, já recuperada da minha indignação, vi na Contracapa da ZH uma imagem que eu julgava ser referente a essa obra e, ao lado, um textículo explicando do que se tratava. Para o meu alívio, descobri que era tudo manipulação de imagem. Não resisti e entrei no site do artista para ver a obra completa. Repentinamente, minha opinião havia mudado:passei a achar a criação genial. Poxa, o cara fez uma obra tão bem feita, que fez eu e muitas pessoas acreditarem em um absurdo e, por conseguinte, ficarem perplexas (se não possessas). Talvez, com todos esses sentimentos que a obra nos provoca, Rodrigo estava querendo justamente protestar contra as aberrações que são feitas com animais em experiências científicas,por exemplo.

Mas, voltando à questão do making of da obra, não posso deixar de me perguntar o seguinte: por que a técnica interfere tanto na formulação da nossa opinião a respeito da arte? Será que Maquiavel estava certo quanto aos fins justificarem os meios? Se não justificam (como seria o caso se o Rodrigo houvesse sacrificado um cachorro),com certeza tem direta relação com eles.

Lembro-me de umas pinturas expostas na Casa dos Bancários na época da Bienal B, em que o aumento da minha admiração por elas se deu quando descobri que usava-se sangue para fazê-las. Pois é. Mais uma vez, os meios foram determinantes. E voltamos àquela velha história: não é a obra em si o que de fato importa? Não bastasse a teoria me importunar, agora vem a técnica?

Preciso de um descanso quanto a esse assunto.

Pulemos pra Elida:

A obra dela de que pretendo falar trata-se de um livro, "O Homem Sem Qualidades", cujos adjetivos foram riscados por ela (tendo um deles passado despercebido). Trata-se de um trabalho original e, acima de tudo (mesmo com a pequena falha que citei), minuciosíssimo. No entanto, acredito que nem toda originalidade, nem toda minúcia estão associados a qualidade artística. Fazer algo trabalhoso pode ser tanto encontrar uma agulha num palheiro, quanto pintar um quadro renascentista. Obviamente, entre as duas tarefas, a que agrega maior valor artístico é a pintura. Também seja possível ser original de infinitas formas, mais nem toda originalidade produz em nós algo novo: Duchamp foi extremamente criativo ao assinar um urinol e com esse ato inusitado provocou um questionamento que mudou os rumos da arte.

A questão é: na minha opinião, nem o preciosismo do trabalho da artista, nem seu caráter inventivo me tocaram. Talvez tenham sensibilizado outras pessoas (que essas, se souberem o porquê, se manifestem) e, em função disso, não posso dizer que o trabalho da Elida não seja arte. Quiçá meu senso artístico esteja mesmo atrasado e, conforme disse uma amiga minha,a estudante de artes visuais Luiza Abrantes, "Cada vez mais, principalmente depois do expressionismo abstrato, do minimalismo e do readymade de Duchamp, o literário serve como elemento constitutivo do trabalho. O discurso é cada vez mais necessário, e a Elida trabalha justamente isso, com a palavra. A palavra como matéria artística."

Todavia, mantenho meu ponto de vista. Por enquanto.

"Sobre a nossa riqueza" ou "Sobre a nossa miséria"

Não que eu esperasse muito desse circo,até porque normalmente não gosto dessas coisas que deixam o povo eufórico. Desde o início achei muito sensacionalismo toda essa propaganda. Ouvia falar em filas quilométicas para se conseguir ingressos e não entendia porquê. Perguntei pra minha mãe e ela disse: "Acho que é porque essas coisas nunca vem pra cá". É,deve ser. No entanto, começou a virar o MUST assistir ao tal circo e, conseqüentemente, todas as pessoas com quem eu falava afirmavam ter ingresso ou estar se esforçando para conseguir.

Um ano depois de minha família ter efetuado a compra do ticket, estávamos lá sentadinhos ná penúltima fileira lateral. O circo começou e uma mulher com uma voz irritante iniciou sua cantoria. Ela cantou durante quase todo espetáculo e acho que deveria falar em uma língua fictícia, poque eu só entendia "ALLEGRÍA, ALLEGRÍA". Tá bom: sou bem chata pra música. Mas se esse fosse o único motivo pelo qual eu não havia gostado do espetáculo, não estaria aqui escrevendo.

Na minha opinião houve principalmente uma falta de investimento em estética: as roupas eram lindas, mas ficavam pouco valorizadas devido à falta de luzes; o cenário, praticamente inexistente. Tudo parecia tão sem vida... Será um excesso de brasileirismo sentir falta de cor? Ou será que eles não sabiam o significado da palavra ALLEGRÍA?

Independendo das respostas, acho que faríamos muito melhor - se tivéssemos dinheiro. E volto a reclamar da falta de investimento em cultura, pois não existe estética mais rica que a nossa e, ainda assim, ela passa despercebioda no mundo devido à indiferneça do governo em relação a ela. Ouvi dizer no Canadá quem sustentou o Cirque de Soleil nos seus primeiros anos foi o governo de lá. Já pensou? Nossa, o que se faria aqui se recebessemos dinheiro para... Chego a achar estúpida a situação.

Lembrei agora da abertura dos Jogos Pan-americanos lá no Rio: foi emocionante. Muita gente saiu criticando o que se gastou para obter tal efeito, mas fui completamente a favor. Tudo bem, existem muitos problemas no Brasil carecendo de atenção financeira; no entanto, não é o investir ou não numa abertura que os solucionará (ixi! tem muita coisa por trás a ser resolvida). Penso que é uma questão de honra ter uma abertura à altura daquela e acredito ser essencial que o mundo saiba da dimensão da nossa arte. Quem sabe, assim ele passe a investir na gente - já que nós mesmos não o fazemos.





A cantora chata do circo.


http://br.youtube.com/watch?v=jK3rnNtP2Nw&feature=related

(pra quem não lembra da abertura)

CONVITE

A Arte Elitista

Sempre achei as artes visuais as mais incompreendidas. Ao contrário do caminho que a música, o cinema e a literatura seguem, as plásticas tornam-se cada vez mais inacessíveis. E o pior de tudo: parecem se orgulhar disso.

Citarei a Bienal, pela vigésima vez: sua última edição conseguiu ser ainda mais complexa que já era, com obras ainda mais minimalistas e que exigiam elevadíssimo nível de raciocínio e cultura do expectador. Devido a isso, foi polêmica: houve aqueles que amaram e aqueles que odiaram. Eu odiei.

Mas, afinal, por que fazer uma exposição que somente um centésimo da população consegue apreciar. Pra que investir milhões nisso? Qual o retorno, quais os benefícios, que mudança fará na sociedade uma mostra tão elitista? Investe-se muito em algo que agrada a pouquíssimos.

A inspiração desse texto veio, para variar, de uma conversa. Durante ela, pasmei: contaram-me que uma professora do Instituto de Artes da UFRGS afirmou a Bienal ser voltada para colecionadores milionários de arte contemporânea. E disse isso com orgulho. Ouquei. Então por que defende-se tanto essa exposição como um tobjeto de prestígio cultural do Mercosul (que nem mais deste pode ser considerada, afinal, globalizou-se completamente)? Por que não se faz um leilão, bem menos divulgado, para essa minoria e não usa-se os principais espaços de exposição da cidade para expôr obras voltadas ao resto da população?

Não acho que seja necessário impedir a arte de seguir em frente e assim, penso que essas manifestações menos digeríveis devem continuar sendo estimuladas para amadurecerem. Porém, para que a população consiga acompanhá-la, deve-se investir em educação artística. Deve-se investir em mostras mais populares, em vez de colocar toda “energia cultural” do estado na Bienal. Talvez se o governo apoiasse a Bienal B, Essa POA é boa, entre outras do gênero, já seria meio caminho andado. Acontece que o Rio Grande do Sul é um dos estados que menos investem em cultura.

With a little help from my friends

Estava eu conversando com uma amiga a respeito da influência das drogas na capacidade criativa. Falamos então sobre como sabia-se que, sob o efeito de certas substâncias ilícitas, o inconsciente se apodera do indivíduo e o resultado do que se cria é muito mais original do que seria sem a "mãozinha" da química. Prova disso são os trabalhos de muitos músicos (Beatles e mais um milhão) e artistas plásticos (só mencionei essas duas expressões artísticas, pois meu conhecimento a respeito
disso é ainda mais limitado), como Basquiat.

Veio então à minha cabeça, uma indagação de molho há muito tempo: será que podemos avaliar o talento de um artista através de obras realizadas com a interferência de alucinógenos? Afinal, quem executa a obra nessas circunstâncias, é o subconsciente do artista e não ele, "ao natural", ou seja, lúcido. É incontestável que essa área da nossa mente é parte de nós, bem como o consciente. No entanto, aquele é justamente aquilo em que somos equivalentes , em termos de criatividade (um exemplo disso seriam os sonhos, que repleto de elementos em que nunca pensaríamos quando cônscios). Logo, sob o efeito da maconha, entre outras substâncias ainda mais "poderosas" , somos capazes de descobrir Picassos dentro de nós, tamanho o potencial criativo que suponho desconhecermos (nem todos, é lógico...).

Assim, afirmar que uma obra de arte originada do inconsciente de alguém é incrível, sensacional, mega expressiva, fantástica, poética, intensa, etc, etc, é, segundo Cindi, aceitável. Por outra perspectiva, atribuir a genialidade ao artista que a executou naqueças condições, não me parece justo. Logo, penso que grande mesmo é quem consegue, espontaneamente, digo, lucidamente, transverter o subconsciente para uma obra. Em outras palavras: ser criativo é não precisar daquela "ajudinha" para pôr, sem medo, no papel (ou na mídia que se preferir) o que vier à cabeça.


PS: Eu não odeio os Beatles, nem o Basquiat. Só acho eles meio trapaceiros....

PS II: Utilizei os termos "inconsciente" e "subconsciente" como sinônimos, pois sempre compreendi-os assim. Fui posteriormente pesquisar os significados e não entendi bem do que se tratam. Aceito correções/explicações.

Não sei bem como explicar a sensação borbulhante dentro de mim. Uma vontade enorme de criar, conhecer, aprender, que há muito, por esforços meus, eu não sentia. Isso mesmo, me forcei a não querer tanto, para conseguir descansar, para me permitir viver. Não que eu ache que ter ambições seja algo prejudiocial, só acho que não podemos deixar de viver apenas pensando no que será necessário fazer para concretizar certos planos.

Assim, foi após dois meses de férias antecedidas por um ano cansativo, que encontrei energias para saborear meus pensamentos. Foram muitos desenhos feitos, páginas lidas, e horas dormidas – que há um ano atrás eu não me daria o luxo – para que hoje, chegando em Porto Alegre, me viesse essa vontade tão grande de pôr a mão na massa. E, felizmente, o momento não poderia ser mais adequado: tenho uma semana para organizar meu quarto, arrumar malas e ficar imaginando as maravilhas do Continente Europeu, para onde irei na sexta feira próxima. Logo, daqui pra frente, criar, conhecer e aprender!

Bom, esta foi a minha filosofia de férias.
Por favor, conformem-se.

Espero voltar de viagem com algo mais consistente.

Postagem rápida para agradecer, novamente, ao Milton pelo post que escreveu em seu blog e acabou rendendo muitas visitas ao meu.

E para divulgar meu flickr, que não sei se já mencionei aqui:

www.flickr.com/photos/cindiwolfe

Quem sentir preguiça de clicar no link, poderá ter acesso aqui mesmo a algumas das imagens publicadas lá:

Bienal do Mercosul: ESCREVER PARA ESCLARECER

Durante praticamente um ano, estive ingenuamente satisfeita, acreditando ter finalmente encontrado a minha solução para o problema arte contemporânea. Mas, como todos sabem (menos eu, que frustração após frustração, "re-emburreço"), a felicidade dura pouco. Pois é, e lá está a Cindi,novamente, quebrando a cabeça para tentar definir sua opinião.

Lembram da minha definição de arte? Provavelmente não, porque nem todo mundo tem saco para ler meus posts giganetescos. Portanto, para os preguiçosos ou atrasados, é a seguinte: “Arte é tudo aquilo que o homem cria, capaz de tocar alguém de maneira significativa”. Pois bem, fui eu então visitar a mostra da Bienal do Mercosul que se encontra no Santander Cultural, baseando-me nesse conceito. Durante a visita, começou a crescer uma certa indignação em mim, afinal, nada daquilo me tocava de maneira alguma. As únicas pessoas que pareciam tocadas pela obra eram aquelas que compreendiam as "charadas" propostas pelo artista. Será que eu era muito burra para a arte de Jorge Macchi? Se meu pensamento desesperado estivesse correto,provavelmente minha carreira como artista plástica estaria arruinada, já que eu não me entusiasmava com a obra cuidadosamente escolhida (suponho) pelo tal-tal curador da Bienal do Mercosul.

Saindo da mostra, com a cabeça pegando fogo como costuma ocorrer comigo após degustar exposições, uma conclusão tomou forma: se aquelas obras só emocionavam à minoria que captava a lógica, não tão acessível, da proposta do artista, a exposição seria considerada arte para pouquíssimos. Conseqüentemente, não me surpreenderia se essa Bienal,ainda mais que as anteriores,acabasse causando uma mistura de indignação e desinteresse por arte no povo.



Alguns dias depois, conversei com o curador do espaço cultural da Casa dos bancarios,Cláudio Santana, e, para a minha felicidade, ele, uma pessoa envolvida no meio artístico (participou na organização e planejamento da Bienal B) e pela qual eu tenho grande respeito, concordou comigo em vários aspectos. Falamos sobre aquela história da literalização da arte, que está na minha cabeça desde que li "A Palavra Pintada", de Tom Wolfe, e ele disse algo que resumiu tudo que eu pensava: *"Se qualquer objeto passa a ser arte a partir do momento que se cria um discurso com um novo ponto de vista a respeito daquele, tudo passa a ser arte. Afinal, pode-se inventar uma história sobre qualquer coisa." E a partir dessa conversa, assumi a coragem para manifestar minha opinião de que a **Bienal estava, para meus parâmetros bienalísticos, uma PORCARIA.

A vítima seguinte da discussão foi minha "ídola" e professora de artes, Nerê Preto. Para minha surpresa, a pessoa que me presentou com o livro que originou toda minha indignação com a arte contemporânea discordava de mim. Disse ela: "Tive a mesma sensação que tiveste ao visitar a exposição sem mediação. Na segunda visita, fui guiada e passei a ver tudo sob outra perspectiva, tendo entendido melhor a proposta do artista." Respondi então que a verdadeira arte deve nos tocar de imediato, ou melhor, sem que necessitemos de um manual de instruções; até porque, como prega Tom Wolfe, o texto pode acompanhar a obra e até mesmo valorizá-la, desde que ela não seja dependente desse, como parece-me ocorrer no trabalho de Machi. Foi então que a mestra retorquiu:"Devemos estar abertos para novas propostas.".

Pausa: Será que eu virara uma careta, ultrapassada, daquelas que só falta dizer: "isso até eu faço"?! Comecei a atucanar-me. Mas fiz o possível para manter-me firme com o que acreditava, até que um dia acabei voltando ao Santander.

Dessa vez, estava acompanhada de três pessoas que pareciam discordar de mim. Como já era a segunda vez que visitava a mostra, decidi prestar atenção nas explicações da mediadora solicitada pelo grupo. De fato, a idéia por trás dos trabalhos era bem interessante, tratando de coexistências opostas, do acaso, do lugar, entre outros assuntos. No entanto, nas discussões a respeito da obra, acabei expondo minha opinião. O resultado era: três contra um. A maioria defendia que, sim, qualquer objeto pode ganhar caráter de arte a medida que colocado em um contexto que resulte nessa elevação, como acompanhado de um significado atribuído pelo artista. Respondi então que, se o significado é mais importante que o objeto em questão, está se fazendo literatura e não artes plásticas, afinal, a originalidade está no texto.
De novo me vi cercada: "E porque não utilizar-se da palavra, se essa também pode ser arte? Cinema, música, literatura, etc, são todos arte." Estaria sendo demasiadamente fechada?

Minhas fraquezas e preconceitos foram exteriorizando-se e eu ia reconhecendo-os. Infelizmente, eu também fazia parte do clube dos maníacos por rótulos, que insistem em separar tudo grudando etiquetinhas. E mais: estava presa ao imediatismo de que eu sempre me julguei livre. Afirmo isso pois, ao contrário do que pensava, talvez não seja necessário um manual para interpretar coisas aparentemente non-sense, mas apenas um pouco de paciência. Faltava-me a consciência de que tratando-se da compreensão de uma obra de arte, não tem-se um google search que nos forneça explicações em segundos, de mãos beijadas, mas sim nossa capacidade de dialogar com a arte.

Portanto, a partir de agora, não entrarei em uma exposição de arte contemporânea com a expectativa de ter sensações instantâneas no contato com cada obra, pois aprendi (credo, nesse disurso eu me puxei) que, no meio dessa correria em que vivemos, deveríamos parar um pouco e dedicarmos mais nossa vida à contemplação da arte. E não venha com essa história de que não há tempo sobrando, pois a única reclamação que aceito é a respeito da carência de bancos nas salas dos museus - mas isso é assunto para outro post...



*deixo claro que as palavras dele não foram exatamente essas